Alexander Arutjunjan: Konzert für Trompete und Orchester

Alexander Arutjunjan war neben Aram Khachaturjan einer der Komponisten, der die armenische Musik international bekanntmachte. Ab 1934 studierte er am Konservatorium Jerewan sieben Jahre lang Klavier und Komposition; nach einem dreijährigen Unterbruch führte er die Studien bis 1946 in Moskau weiter. Seine Kantate von der Heimat, insbesondere aber das 1950 komponierte Trompetenkonzert, machten ihn nicht nur in der gesamten Sowjetunion, sondern international bekannt. Dabei umfasst sein Werk zahlreiche weitere Konzerte für Blasinstrumente (für Flöte, Oboe, Horn, Posaune und Tuba), Streicher und Klavier; zudem komponierte er mehrere Orchester- und Vokalwerke sowie Kammermusik für Streicher und Bläser. Für seine Kompositionen wurde er in Armenien, der UdSSR und international vielfach ausgezeichnet; noch heute gehört er zu den bedeutendsten und meistaufgeführten Komponisten Armeniens.

Die traditionelle armenische Musik hat insbesondere das Frühwerk Arutjunjans stark geprägt, während er sich in der mittleren Schaffensphase dem Neoklassizismus sowie dem Barock zuwandte und später beide Richtungen kombinierte. Seine Werke sind dementsprechend einerseits sehr verständlich, trotzdem aber auch äusserst vital, musikalisch und emotional. So erinnert auch das Trompetenkonzert an die armenische Volksmusik, ohne dass bestehende Melodien übernommen worden wären – Arutjunjans Ziel war, seinen eigenen Aussagen zufolge, «to make the piece of universal human value, understandable to all people in the world. Its aim is for all the listeners to perceive it on their own». Der Komponist wollte keine spezifisch armenische Geschichte erzählen, sondern ein reines Konzertstück für ein breites Publikum kreieren. Bekannt wurde es dank der Aufführung von Timofei Dokshizer, der dem Konzert 1977 auch die heute übliche Kadenz hinzugefügt hat. Die Erstaufführung wurde zwar von Aykaz Messiayan bestritten, Dokshizer brachte das Konzert jedoch als Erster ausserhalb der UdSSR zur Aufführung und machte es mit der ersten Aufnahme berühmt.

Nicht nur beim Publikum ist das Konzert äusserst beliebt, auch viele Solist*innen lassen sich gerne von Arutjunjan in Szene setzen und präsentieren in diesem «phänomenalen Tummelplatz» nicht nur Virtuosität, sondern auch emotionalen Ausdruck – höchste Musikalität also. Diese ist insbesondere durch den ungewöhnlichen Aufbau noch mehr gefordert, da der Komponist die traditionelle dreisätzige Form vermeiden wollte. Die Solist*innen bewegen sich zwischen langsamen, lyrischen und schnellen, virtuosen Teilen, wobei einerseits Anklänge an die armenische Volksmusik, andererseits aber durchaus auch (französische) expressionistische Elemente hörbar sind, und das Konzert findet nach einer virtuosen Kadenz seinen Abschluss.

Sabine Hebeisen

Johannes Brahms: Serenade Nr. 1 in D-Dur, op. 11

Zum Zeitpunkt, als die Serenade Nr. 1 entstand, befand sich der junge Brahms in einer schöpferischen Krise. Er konnte die Idee, seine d-Moll-Sonate für zwei Klaviere in eine Sinfonie umzuwandeln, nicht umsetzen, und war derart demoralisiert, dass er der Überzeugung war «ich werde nie eine Symphonie komponieren!». Dieses Gefühl des Versagens wurde wohl noch dadurch verstärkt, dass er sich unter Druck fühlte, den Ansprüchen gerecht werden zu müssen, die Ludwig van Beethoven mit seinen Sinfonien an die Gattung erhoben hatte. In Detmold, wo er 1857 bei Fürst Ludwig III seine erste Festanstellung antrat, beschäftigte sich Brahms eingehend mit den Serenaden und Sinfonien Mozarts und Haydns, begab sich auf ‹leichteres› Terrain, indem er selbst eine Serenade zu schreiben begann.

Eine erste vorläufige, leider verlorene Fassung bestand aus vier Sätzen und war für ein kleines Ensemble gedacht: eine Flöte, zwei Klarinetten, ein Horn, ein Fagott sowie Streicher. Brahms spielte diese Fassung 1858 seinen Freunden Clara Schumann, Julius Otto Grimm und Joseph Joachim vor, wobei letzterer den Komponisten erfolglos dazu bringen wollte, das (nun um zwei Sätze erweiterte) Material in eine Sinfonie umzuarbeiten. Vielmehr arbeitete Brahms sogar an einer zweiten Serenade, instrumentierte aber 1859 die erste immerhin um und liess die «Serenade für kleines Orchester» am 28. März 1859 in Hamburg erstmals öffentlich aufführen. Angesichts des grossen Publikumserfolgs entschloss sich Brahms dann, dem Werk eine Fassung für grosses, sinfonisches Orchester zu geben. Die Kritiker waren des Lobes nicht so voll wie das Publikum, vielmehr herrschte der Konsens, die Serenade sei «nicht forciert original», sie enthielte überreichlich «bekanntes Gedankengut von Haydn bis Schubert» und auch Theodor Billroth stellte nach der Zürcher Erstaufführung fest: «Zwar das Hauptthema ist ganz gut, aber wenig neu, und es ist uns, als hätten wir in irgend einer Symphonie von Haydn etwas ganz Ähnliches gehört».

Tatsächlich wird gemeinhin besonders auf die Verwandtschaft des Anfangsthemas im ersten Satz der Serenade mit dem Thema des Finalsatzes in Haydns Sinfonie Nr. 104 D-Dur (die das Philharmonische Orchester Riehen im letzten Herbst aufgeführt hat) hingewiesen:

Gewisse Anklänge daran sind im vierten Satz, dem zweiten Scherzo, wiederzufinden, der aber auch deutlich an das Scherzo aus Beethovens Sinfonie Nr. 2 erinnert und der wegen seiner fehlenden Originalität besser weggelassen worden wäre – dies gemäss dem Kritiker Eduard Hanslick, der Brahms generell sehr schätzte. Auch andere beurteilten die sechs Sätze sehr unterschiedlich und bezeichneten das zweite Scherzo als im Verbund minderwertig. Nicht nur Hanslick lobte insbesondere das Menuett I, das für ihn mit seiner warmen und charmant naiven Melodie den Charakter der Serenade als leichte Nachtmusik besonders hervorhob. Nur mit Klarinetten, Fagott, Flöte und Cello besetzt, sei es «vielleicht das Schönste, was Brahms geschrieben hat.»

Nebst der Kritik bezüglich der Unoriginalität der Serenade stellte sich zunächst auch die Frage, weshalb sich Brahms überhaupt der nicht mehr sehr gebräuchlichen Gattung angenommen hatte. Wollte er sich nach seinem Scheitern so weit wie möglich von der Gattung Sinfonie entfernen und lediglich eine Unterhaltungsmusik «leichteren Genres» schreiben? Wohl sprach die ursprünglich kammermusikalische Fassung dafür, und Brahms selbst wehrte sich gegen den Ausdruck «Sinfonie-Serenade», den sein Freund Joseph Joachim verwendete. Die finale Version für grosses Orchester mit seinen vier durchgearbeiteten Sonatensätzen zeigt nicht nur formal bereits Konturen einer Sinfonie, auch in der Entwicklung des motivischen Materials sowie einzelnen rhythmischen und harmonischen Details finden sich bereits Anklänge an die zukünftigen Sinfonien.

Sabine Hebeisen

Frühjahr 2021

• Samstag 20. März 19:15 – Basel, Theodorskirche
• Sonntag 21. März 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Mozart: Klavierkonzert in A-Dur KV488
  Solistin: Marret Popp
• Beethoven: Sinfonie Nr. 5 in c-Moll op. 67

Herbst 2021

• Samstag 25. September 19:00 – Basel, Martinskirche
• Sonntag 26. September 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Verdi: Ouvertüre zu «Nabucco»
• Cimarosa: Konzert für 2 Flöten und Orchester in G-Dur G. 1077
  Solisten: Susanne Gärtner, Matthias Ebner
• nn: noch festzulegen