Alexander Sloendregt: Farewell (Uraufführung)
Bądź zdrów! Leb wohl! ¡Que te vaya bien!

Für sein letztes Konzertprogramm als Dirigent des Philharmonischen Orchesters Riehen war es Jan Sosinskis ausdrücklicher Wunsch, ein Werk aus meiner Feder aufzuführen. Allen konzeptionellen Unwägbarkeiten und zeitlichen Hindernissen zum Trotz gab mir dieser einzigartige Vertrauensbeweis den Anreiz, ein den besonderen Anlass würdigendes Werk beizusteuern.

Als musikalische Leitidee schwebte mir (wie bereits in meinem ebenfalls durch Sosinski aus der Taufe gehobenen Werk Wilhelmus & Helvetia) vor, mittels der Verarbeitung landestypischer Volksweisen drei wichtige Lebensstationen Sosinskis musikalisch zu widerspiegeln: sein Herkunftsland Polen, die Schweiz als sein langjähriger Wirkungsort durch die musikalische Leitung unseres Orchesters, und Spanien als jenes Land, das Sosinski sich für seinen Ruhestand auserwählt hat. Mein Anspruch war, nicht Volksmusik zu einem Medley zu arrangieren, sondern ein Werk zu gestalten, das zweierlei Gestaltungsprinzipien folgt: Einerseits gliedert es sich auf der Basis der jeweiligen musikalischen Tradition und durch das Kolorit landestypischer musikalischer Charakteristik unverkennbar in einen polnischen, schweizerischen und spanischen Teil, was sich auch im Untertitel Bądź zdrów! Leb wohl! ¡Que te vaya bien! niederschlägt. Indem gleichzeitig ein das ganze Werk durchziehendes Thema die verschiedenen Abschnitte musikalisch verknüpft, erhält es anderseits auch einen übergeordneten Gestus. Einer nächtlichen Eingebung folgend entstand hierfür die folgende Akkordsequenz:

Anfänglich eine Begleitfigur, wandelt sie sich in der Folge, mal ist sie nur neckischer Einwurf, mal wird sie zum tragenden harmonischen Gerüst, bleibt anhand der Akkordfolge aber stets gut erkennbar.

Die Recherche nach für die kompositorische Verarbeitung geeignetem Volksliedgut war ein besonderes Vergnügen, gibt es doch kaum etwas Spannenderes und Inspirierenderes, als nach musikalischen Wurzeln fremder Länder zu graben. Nicht zuletzt war auch Jan Sosinski als gebürtiger Pole Ideengeber mit einem in seiner Heimat populären Lied aus Kindheitstagen: «Cyraneczka» (Die kleine Krickente). Gleichsam als Traum von der vergangenen Kindheit eröffnet es aus der Ferne klingend das Werk.

Die Akkordsequenz leitet über zu einem Hirtenlied, wie es schon seit Jahrhunderten im Tatra-Gebirge erklingen mag. Auch Anklänge an einen Bauerntanz lassen sich vernehmen. Geistiger Vater ist hier mit der als Kinderstück bezeichneten Mazurka (aus ‹Vier polnische Tänze› Op. 47 von 1926) Karol Szymanowski, der sich wie sein Landsmann Chopin schöpferisch mit seinen Wurzeln auseinandersetzte und dessen Werk in mancher Hinsicht eine Hommage an die polnische Hochlandkultur der Goralen und deren künstlerischen Geist darstellt.

Die Musik geht von der Tatra über zu den Schweizer Alpen, einer nicht minder durch die Folkloretradition geprägten Hochgebirgsregion. Die ursprüngliche Schweizer Volksmusik hat jedoch nichts gemeinsam mit der heute bekannten «Ländlermusik», die viel echtes und eigenständiges Volksgut verdrängte. Zuvor hatte schon die Reformation durch die systematische Unterdrückung der Instrumentalmusik erheblichen Anteil an diesem Verlust. Die Pionierarbeit des auf die Erforschung und Aufführung alter Schweizer Volksmusik spezialisierten Ensembles Tritonus erweckt diese wieder zu neuem Leben und verhalf mir so zu einigen "schweizerisch" geprägten Motiven. Die übermässige Quart, die dem Ensemble den Namen gab und in überlieferten Melodien auffallend häufig erscheint, kennen wir auch von der Naturtonreihe als sog. Alphorn-fa (im folgenden Beispiel der Ton Fis). Sowohl das Alphorn als auch das früher als tritonus diabolus von der Kirche verbotene Intervall haben in Farewell Eingang gefunden. Brahms-Kenner dürften den Alphornruf unschwer erkennen: Geistesgegenwärtig hatte Johannes Brahms diesen anlässlich eines Aufenthalts im Lauterbrunnental im September 1868 als Geburtstagsgruss an seine geliebte Clara Schumann festgehalten. Die Melodie fand später Eingang in den Schlusssatz seiner ersten Sinfonie.

Also blus das Alphorn heut: Hoch aufm Berg, tief im Thal, grüß ich dich viel tausendmal!

Zu den ursprünglichsten und eigensten Formen hiesiger Volksmusik gehören die Kühreihen, ein Eintreibe-Ritus, der die Herde zum Melken anlockt, der aber auch auf Schweizer Söldner in fremden Diensten ungeheure Wirkung erzielt haben muss, da sie der Überlieferung nach beim Hören solcher Melodien an Heimweh erkrankten (1688 vom Basler Arzt J. Hofer als morbus helveticus beschrieben) oder desertierten. Ob das wohl am Tritonus lag? Pfeifen und Singen von Kühreihen waren angeblich jedenfalls bei Todesstrafe verboten. Sinngemäss steht der von den Trompeten angestimmte Kühreihen in Farewell (auch hier mit dem Tritonus) für die Nostalgie, die in Erinnerung an gemeinsam mit Jan Sosinski Erlebtes und Erreichtes dereinst aufkommen mag.

Als weiteren Fundort historischer Schweizer Volksmusik wurden die Lautentabulaturen des 16. Jh. ausgemacht. Die Basler Universität als damalige Hochburg des Lautenspiels kann auf etliche Handschriften verweisen, so auch auf die fast fünfhundert Werke umfassende Sammlung von Emmanuel Wurstisen (1572-1616), der in Basel Medizin studierte. Er hatte einige polnische Kommilitonen, die für einen überraschend reichen Import polnischer Musik sorgten. So mag denn der dieser Sammlung entlehnte Schäfertanz sozusagen Jan Sosinskis Bezug zu "unserer" Stadt versinnbildlichen.

Polen hat nicht nur in Basel musikalische Spuren hinterlassen: Auch hinsichtlich der Musiktradition Spaniens fällt auf, dass hier schon früh ein Import musikalischer Formen wie etwa der Polonaise und der Mazurka stattfand. Umgekehrt zeugen Kompositionen spanischen Kolorits von der faszinierenden Wirkung der südländischen Musik ausserhalb Spaniens. Selbst Franz Liszt konnte nicht umhin, nebst den ungarischen auch eine Rapsodia española zu komponieren – wenn man so will, spannt hier Farewell als rhapsodisches Werk einen programmatischen Bogen.

Im Schmelztiegel der unter maurischer Herrschaft friedlich nebeneinander existierenden christlichen, jüdischen und muslimischen Gemeinschaften blühte die traditionelle spanische Musik erstmals auf, diverse Facetten der jeweiligen Kultur konnten sich frei entwickeln. Die Reconquista wie auch die Franco-Diktatur überdauernd lebt die traditionelle Volksmusik heute in den verschieden regionalen Ausprägungen wieder auf. Als einer dieser regionalen Musikstile machte die Habanera eine spannende Entwicklung durch: Im frühen 19. Jh. in Havanna aus den europäischen Kontertänzen entwickelt, fand der langsame Tanz im 2/4-Takt mit dem charakteristischen punktierten ersten Achtelschlag über Spanien wiederum den Weg nach Europa, wo er insbesondere in der Provinz Alicante heimisch wurde. Die kleine Stadt Torrevieja, in deren Nähe sich Jan Sosinski nun niedergelassen hat, richtet hier ihren «Wiegenliedern» jährlich ein stark besuchtes Habanera-Festival aus.

Dieser unerwartete Bezug legte nahe, eine Habanera in Farewell einzuarbeiten. Inspiration boten hierfür die später Weltruhm erlangenden Habaneras «La paloma» und «El Arreglito» von Sebastián de Yradier (um 1860), letztere dank Georges Bizet, der sie irrtümlich für ein Volkslied hielt und in seiner berühmten Oper Carmen verwendete. Mit Saint-Saëns, Chabrier, Debussy und Ravel (notabene alles Franzosen) haben weitere namhafte Komponisten die Habanera zur Kunstmusik erhoben. Bestimmt werden Sie heraushören, wessen Version mir als Anregung gedient hat. Des Weiteren möge der temperamentvolle Schluss von Farewell ein klingendes Zeugnis davon ablegen, wie unverwechselbar die reichhaltige Musiktradition der spanischen Volksmusik in der Kunstmusik ihren Ausdruck zu finden vermag.

Diese Werkeinführung ist nicht vollständig ohne einige Worte des Dankes, die mir sehr am Herzen liegen! Allen voran sei Jan Sosinski als Initiator von Farewell gedankt für sein hochmusikalisches Gespür, seine Wertschätzung und Aufopferung für und sein unerschütterliches Vertrauen in meine Musik, die seine Arbeit in all unseren gemeinsamen Projekten durchzog. Mit der Widmung von Farewell sei ihm für die Zukunft das Beste gewünscht! Mein grenzenloser Dank gilt ferner dem Orchester und allen rundherum Beteiligten für die Unterstützung, Geduld und Courage, die für die Entstehung und Erarbeitung des Werks vonnöten waren. Last but not least danke ich aufs Herzlichste meiner Frau Sonja, ohne ihre Ermutigung und ihr aufopferndes Wirken im Hintergrund wäre Farewell nicht zum Erklingen gekommen!

Alexander Slondregt

Frédéric Chopin: Klavierkonzert in e-Moll op. 11

Nur wenige Wochen nach der Uraufführung seines e-Moll-Konzertes am 11. Oktober 1830 verliess Chopin, unter anderem wegen der drohenden Revolte gegen die russische Herrschaft, als 20-jähriger seine Heimat und reiste zunächst nach Wien. Die mangelnde Anerkennung als Komponist sowie die tiefe Sorge über das ungewisse Schicksal Polens führten zur Entscheidung, nach Paris zu reisen. Dort war Chopin insbesondere als begehrter Klavierlehrer, aber auch in den Pariser Salons, bald in der gehobenen Gesellschaft anzutreffen.

Öffentliche Konzerte gab Chopin nur selten und ungern; er bevorzugte es, im kleinen Rahmen zu spielen, wo er seine Fähigkeiten in freien Improvisationen entfaltete und die Zuhörer mit seinem «wunderbaren Charme, [seiner] Poesie und Originalität, [der] vollkommenen Freiheit und absoluten Klarheit [seines] Spiels» für sich einnahm.

In beiden Klavierkonzerten, die an den style brillant angelehnt sind, spielt der Solopart die Hauptrolle. Die Solist*innen können Bravour, Brillianz und ihre pianistischen Fähigkeiten präsentieren, aber in den lyrischen Sätzen schwelgen und ihre Musikalität zum Ausdruck bringen.

Der erste Satz mit seinen drei Themen, jeweils vom Orchester vorgestellt, besticht durch eher ungewöhnliche Modulationen. Der zweite Satz ist, in Chopins Worten, «eine ruhige und melancholische Romanze. Sie soll [...] wie eine Träumerei in einer schönen, mondbeglänzten Frühlingsnacht [wirken].» und ist möglicherweise, wie auch der langsame Satz im f-Moll-Konzert, Ausdruck der nie erklärten Liebe Chopins zur Sängerin Konstanze Gladkowska.

Im dritten Satz, dem Rondo, zeigen sich Chopins polnische Wurzeln: Vorbild ist der synkopierte Volkstanz Krakowiak aus der Region Krakow.

Die Klavierkonzerte wurden nicht immer wohlwollend aufgenommen, ja zuweilen ziemlich hart kritisiert. «Schlechte Beherrschung der Form und der tonalen Struktur, fehlende Entwicklung und organische Einheit der Musik, ungeschickte Orchestrierung» wurden Chopin etwa angekreidet, das Orchester als eine «kalte, fast überflüssige Begleitung» bezeichnet. Doch insbesondere im e-Moll-Konzert spürt man bereits eine gewisse kompositorische Reife, sind doch die Tuttistellen durchaus differenziert und es gibt einige Passagen, wo zwischen Klavier und Orchester ein Dialog stattfindet.

Darüber hinaus darf man annehmen, dass viele Zeitgenossen die Konzerte an Mozart und Beethoven gemessen haben, während Chopins Vorbilder Friedrich Kalkbrenner, dem das e-Moll-Konzert gewidmet ist, und Johann Nepomuk Hummel waren. Vor dem Hintergrund deren concerts brillants betrachtet wird klar, dass Chopins Konzerte in einen falschen Rahmen gepresst wurden. «Chopin has the orchestra support the piano where it needs it, gently accompany it when it needs it, and be silent altogether when it doesn't need it. The concertos, like any work of genius, are best judged within the confines of their own content and technique. Chopin was not trying to be formally perfect or heaven-storming like Beethoven. He was trying to express himself as best he could within his own genius. And in that task he was completely successful.»

Sabine Hebeisen

Franz Liszt: Ungarische Rhapsodie Nr. 2, bearb. K. Müller

Im Gegensatz zu Chopin, der am liebsten im kleinen Rahmen auftrat, kommandierte Liszt die Bühne wie ein Rockstar. Gutaussehend und charismatisch wie er war, erschuf er mit seinem ausgezeichneten Spiel und inspirierten Interpretationen einen regelrechten Personenkult um seine Aufführungen. Zehn Jahre lang reiste Liszt als Showman durch Europa, konzentrierte sich aber nach 1848, als er für ein Amt als Kapellmeister nach Weimar zog, auf eine ernstere Tätigkeit: das Komponieren. In Weimar vollendete Liszt unter anderem auch seine berühmten Ungarischen Rhapsodien für Klavier. Sie waren von seinen historischen, musikwissenschaftlichen und ethnographischen Forschungen inspiriert, die er während seinen Ungarnreisen durchgeführt und in seinem Buch Des Bohémiens et de leur musique en Hongrie festgehalten hatte.

Mit seinen ungarischen Stücken verstand Liszt sich als Botschafter der Ungaren. Gerade mit der Rhapsodie Nr. 2 in cis-Moll setzte er dem «Freiheitsdrang seines von Österreich unterdrückten Volkes ein brodelndes Denkmal» und ergriff Partei «für die ungarische Republik, die 1849 von den Österreichern mithilfe der russischen Armee brutal unterdrückt wurde.»

Liszt sammelte melodische und rhythmische Elemente der ungarischen Tänze Verbunkós und Csárdás und liess sich von den sogenannten Zigeunertonleitern und der rhythmischen Spontaneität sowie dem direkten und verführerischen Ausdruck der traditionellen ungarischen Volksmusik inspirieren – oder was er für authentische Volksmusik hielt. Tatsächlich waren aber viele der Melodien für in städtischen Gebieten populäre Zigeunerkapellen komponiert worden. Die wirklich authentische Volksmusik benutzte vielfältigere und exotischer klingende Tonarten; ebenso waren die Rhythmen und Stimmungen vielgestaltiger und subtiler, als Liszt angenommen hatte.

Typisch für eine Csárdás besteht die Rhapsodie Nr. 2 aus zwei charakteristischen Teilen: dem langsamen und herrschaftlichen Lassú (oder Lassan) und der lebhaften Friss (oder Friska), wo sich die Solist*innen von ihrer virtuosesten Seite zeigen können.

Sabine Hebeisen

Frühjahr 2023

• Samstag 25. März 19:00 – Basel, Don Bosco
• Sonntag 26. März 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Schumann: Violinkonzert in d-Moll
  Solist: Egidius Streiff
• Beethoven: Sinfonie Nr. 2 in D-Dur op. 36

Leitung: Manuel Oswald

Herbst 2023

• Samstag 23. September 19:00 – Basel, Martinskirche
• Sonntag 24. September 17:00 – Riehen, Landgasthof

• Mozart: Sinfonie Nr. 38 in D-Dur «Prager» KV 504
• Elgar: Cellokonzert in e-Moll op. 85
  Solistin: Chiara Enderle Samatanga

Leitung: Manuel Oswald